CORPOREALITY REPAIR CONCILIATION

Rosalyn D’Mello mit Beiträgen von Anna Hagen, Marlene Hausegger, Maridl Oberhofer, Monika Oberhofer, Rita Oberhofer, Suguna Sridhar

Suzana Milevska in Zusammenarbait mit Tal Adler, Seraphine Appel, Rosalyn D‘Mello, Sasha Huber, Inge Manka, Merete Røstad, Simona Schneider, Alfred Ullrich u.a.

Sam Richardson in Zusammenarbeit mit Virgil Taylor, Gina Disobey, Anita, Jakob, Valeria Rosanelli, Suzana Milevska, Carolyn Lazard, Diya Vij, Gabby Miller

Olga Ştefan mit einem Beitrag von Aurel Mărculescu

Eine Ausstellung des Büchsenhausen Fellowship-Programms für Kunst und Theorie 2021–22.

kuratiert von Andrei Siclodi

ERÖFFNUNG
Donnerstag  12. 05. 2022, 19.00

AUSSTELLUNGSDAUER
13. 05. – 16. 07. 2022

Mi – Fr 12.00 – 17.00; Sa  11.00 – 15.00
an Feiertagen geschlossen

Flyer

Folder (DE)

Die Ausstellung Corporeality, Repair, Conciliation: Investigating Ways Into a Better Coexistence thematisiert die dringende Notwendigkeit einer Rekonzeption unserer sozialen sowie soziopolitischen Beziehungen zueinander. Vom scheinbar unaufhaltsamen Kapitalismus angetrieben, hat sich die Erosion dieser Beziehungen lange unter dem Mantel eines virtuellen Wohlstands verdeckt gehalten. Spätestens im Lichte der gegenwärtigen, durch Krieg in Gang gesetzten geopolitischen Verschiebungen und der damit einhergehenden drohenden wie bereits eingetretenen Verwerfungen, muss jedoch auch der letzte Zweifel an den malignen Charakter dieser Erosion hinterfragt werden. Wäre daher nicht das Gebot der Stunde, uns auf Praktiken, Verfahren und Ideen zu besinnen, die tragfähige Formen des Zusammenlebens zum Ziel haben bzw. bereits vorexerzieren? Diese Ausstellung gibt Einblicke in diesbezügliche Möglichkeiten frei. Sie versammelt Werke und Recherchematerialien, die die Teilnehmer:innen am Fellowship-Programm für Kunst und Theorie 2021-22 – Rosalyn D‘Mello, Suzana Milevska, Sam Richardson und Olga Ştefan – in Büchsenhausen in den vergangenen Monaten produziert beziehungsweise gesammelt haben und sich auf einer verbindenden Metaebene in unterschiedlichen Ausprägungen mit feminstischen, queeren Sicht- und Verfahrensweisen, Körperlichkeit und Identität, mit notwendiger Erinnerung und damit einhergehender Kunstgeschichtsneuschreibung sowie mit Konflikt- und Vergangenheitsbewältigungsfragen auseinandersetzen.

Gleich im Eingangsbereich der Ausstellung werden Besucher:innen von einer Fülle visueller Materialien empfangen, die Recherchefotografie mit handgeschriebenen Wandtexten, Zeitungsartikeln, künstlerischen Interventionen und scheinbar „unkünstlerischen“ Gegenständen kombiniert. Unter dem übergreifenden Titel In the Name of the Mother, reflektiert die Autorin und Kritikerin Rosalyn D‘Mello hier gewissermaßen ihre eigene Kondition als Frau, Mutter, Intellektuelle und zugleich im ruralen Bereich lebende Person und inszeniert ein Display, das ihre Beobachtungen und Entdeckungen im familialen, gesellschaftlichen und professionellen Umfeld miteinander verschränkt. Während ihrer Fellowship in Büchsenhausen hat D‘Mello ihre Aufmerksamkeit auf die „Kunst“ sogenannter Hausfrauen, Mystikerinnen und „alten Jungfern“ fokussiert in der Absicht, eine Verbindung zu der Arbeit zeitgenössischer feministischer Künstlerinnen herzustellen, die kunstgeschichtlich lange ebenso als Außenseiterinnen galten und deren Leistungen nach wie vor verhältnismäßig oft erst spät in ihrer Karriere (falls überhaupt zu Lebzeiten) anerkannt werden. Dabei geht es darum zu verstehen, wie diese Künstlerinnen in Außenseiterinnenposition Wege fanden, sich-selbst-zugehörig zu werden, als sie ihre intellektuellen und kreativen Fähigkeiten in der „Privatsphäre“ des Hauses ansiedelten. D‘Mellos Studie beabsichtigt, beide Vermächtnissysteme sichtbar zu machen, zu kontextualisieren und dadurch die verlorengegangene weibliche Subjektivität neu zu verorten.

Die Arbeit nahm die Form eines „metabolischen Essays“ (so Rosalyn D‘Mellos eigene Bezeichnung) an und wurde schließlich maßgeblich von der Situation der Autorin als werdende Mutter mitgeprägt – ein Umstand, der auch in dem Präsentationsdisplay reflektiert und dokumentiert wird. Dies sowie die Beiträge, die von Rosalyn D‘Mello selbst, von den „anerkannten“ Künstlerinnen Anna Hagen und Marlene Hausegger, der Autorin Suguna Sridhar sowie den „Außenseiterinnen“ Maridl Oberhofer, Monika Oberhofer und Rita Oberhofer greifen vielfach ineinander und formen ein lustvolles wie tiefgründiges Panoptikum feministisch-emanzipatorischer Artikulationsmöglichkeiten jenseits bekannter aktivistischer Aktionspfade.

Ebenso jenseits bekannter Pfade bewegt sich das Foto-Video-Werkkomplex After Kümmernis von Sam Richardson. Die Künstler:in beschäftigte sich mit der Figur der Heiligen Kümmernis, einer „bärtigen Gekreuzigten“, die historisch als Schutzpatronin für die Befreiung von Sorgen galt – insbesondere für Frauen, die sich von gewalttätigen Ehemännern oder Situationen im häuslichen Umfeld befreien wollten, sowie von Überlebenden sexueller Übergriffe, Vergewaltigungen und Inzest. Sie wurde aber auch von Unfreien verehrt, also von Häftlingen und anderen Menschen in Gefangenschaft. Je nach Region und Epoche kennt man sie unter anderen Namen, wie Hl. Kümmernis / Kummernuss (Deutschland, Österreich), St. Uncumber (England) und St. Liberata (Italien). Sam Richardsons persönliche Verbindung zu Wilgefortis wurzelt in dem hormonell bedingten Polyzystischen Ovarialsyndrom (PCOS), das ihr* diagnostiziert wurde. In der medizinischen Fachwelt als „Dieb der Weiblichkeit“ bezeichnet, gehört die „Vermännlichung“ weiblichen Körpers zu den Hauptsymptomen von PCOS. Dabei ist der männlich geprägte Haarwuchs ein typisches Symptom, das auch bei der Künstler:in auftritt.

Im Rahmen der Fellowship in Büchsenhausen hat Richardson die Figur der Kümmernis als identifikatorisches Verbindungselement zu queeren und minoritären Communities der Gegenwart verwendet, die zwar nach wie vor von der staatlichen sowie katholisch-religiösen Hegemonie in Tirol und darüber hinaus gesellschaftlich marginalisiert werden, im Gegenzug aber starke Queerness- und Resilienzstrategien entwickelt haben. Als Künstler:in, die* sich auch in den USA aktivistisch engagiert und ihre ästhetische Praxis einem sozial-gemeinschaftlichen Ziel zur Verfügung stellt, hat Richardson eine Reihe von Akteur:innen dieser Communities in Innsbruck/Tirol sensibel fotografisch portraitiert und mit eigenen sowie Kümmernis-Aufnahmen installativ verschränkt.

Die Rekkurenz auf eine ausgestossene Symbolfigur der katholischen Kirche, auf kanonisierte Darstellungen des Leidens und deren inszenierten Iterationen als queeres bzw. weibliches Subjekt, weist auf die historische Dimension der über Jahrhunderte hinweg etablierte Ausschluss- und Disziplinierungsmechanismen von Frauen und Nicht-Heteronormierten, die zwar juristisch in vielen westlichen Staaten aufgelöst wurden, deren gesellschaftliche Durchsetzung Jahrzehnte, wenn nicht Jahrhunderte braucht – wie man gerade an der offenbar bevorstehen höchstgerichtlichen Wiedereinführung des Auftreibungsverbots in den USA leider beobachten muss. Genau diese Gefühle, die von derartig repressiven Disziplinierungs- und Ausschlussdynamiken hervorgerufen und dauerhaft verankert werden, fängt die neue Videoarbeit in der Ausstellung ein und liefert gewissermaßen auch einen adäquaten Soundtrack für die Betrachtung der gesamten Installation.

Körperliche und intellektuelle Ausgrenzung sowie Unterdrückung in ihrer extremsten Form als Vernichtungsmaßnahme erlebten die Protagonisten, die im Mittelpunkt der Recherchen der Kuratorin und Autorin Olga Ştefan stehen. Ştefan widmet sich seit vielen Jahren einer quasi-archäologischen Erinnerungsarbeit, im Zuge derer sie Schicksale und Werkkomplexe von rumänischstämmigen, jüdischen Künstler:innen, die im zweiten Weltkrieg in KZs ermordet, oder die den Zweiten Weltkrieg zwar überlebten, unter kommunistischer Herrschaft jedoch erneut marginalisiert und verfolgt wurden, rekonstruiert, zusammenträgt und öffentlich präsentiert. Ihr aktuelles Projekt The Concentration Camp Exhibition, an dem Ştefan während ihrer Fellowship in Büchsenhausen arbeitete, ist ein investigatives Projekt im Format eines Essayfilms, der Ştefans Versuch dokumentieren soll, eine Kunstausstellung zu rekonstruieren, die kurz nach der Befreiung Rumäniens vom faschistischen Antonescu-Regime stattfand. 1945 zeigte diese Ausstellung das Leben und Sterben in rumänischen Konzentrationslagern und stellte verschiedene Formen antifaschistischen Widerstands dar, der von den jüdischen Gefangenen geleistet worden waren. Es war die erste und einzige Ausstellung dieser Art, die während des kommunistischen Regimes in Rumänien stattfand. Danach gerieten alle Künstler dieser Ausstellung in Vergessenheit.

In der Ausstellung in der Neuen Galerie zeigt Ştefan eine erste kurze Fassung dieses Films, der momentan aufgrund des Krieges in Ukraine nicht realisiert werden kann, da der Ort des betreffenden ehemaligen Konzentrationslagers Vapniarka sich seit 1945 auf ukrainischem Territorium befindet. Der Kurzfilm präsentiert Arbeiten von u.a. Gabriel Cohen und Aurel Mărculescu, die die Künstler im Konzentrationslager machten, stellt sie in ihrer jeweiligen historischen Bedeutung vor und ermöglicht Einblicke in den Alltag der Künstler im KZ. Zusammen mit dem Video werden, zum ersten Mal seit 1945, im KZ hergestellte Holzschnitte von Aurel Mărculescu gezeigt. Diese Bilder sind nur noch als Reproduktion in dem Katalog der KZ-Ausstellung von 1945 erhalten (Gesamtauflage: 200). Die vier ausgewählten Arbeiten sind Reproduktionen der Katalogseiten und reflektieren die Lebensumstände des Künstlers in Vapniarka.

Der Ausstellungsrundgang wird im vierten Raum der Ausstellung mit der Dokumentation des Rechercheprojekts von Suzana Milevska, das die Theoretikerin und Kuratorin im Rahmen der Fellowship in Büchsenhausen entwickelt und vorangetrieben hat, abgerundet. APOLOGOSCAPES: Ethical and Aesthetical Protocols of Apology befasst sich mit den Möglichkeiten und Grenzen verschiedener Entschuldigungs- und Umbenennungsprotokolle unter Einbeziehung performativ-künstlerischer Verfahren und Strategien, die sozialen Wandel und Versöhnung anstreben. Folgende dringende Fragen werden dabei in Bezug auf die allgegenwärtig scheiternden Entschuldigungsversuche gestellt: Welche soziopolitischen Systeme und rechtliche Strukturen führen dazu, dass Entschuldigungsversuche scheitern? Und wie könnte man den Zustand vergeblicher Entschuldigungsversuche überwinden? Das Forschungsdisplay Apologoscapes – Not yet an exhibition fasst die bisherigen Schritte sowie die gesammelten Materialien zusammen, präsentiert sie öffentlich und stellt sie zur Diskussion. Anhand von Videoausschnitten aus den vier wichtigsten Veranstaltungen, die im Rahmen der Recherche stattgefunden haben und die Künstlerin/Forscherin Merete Røstad, die Researcherin Seraphine Appel und die Künstlerin/Forscherin Sasha Huber als Gästinnen hatten bzw. von Suzana Milevska selbst bestritten wurden, werden zentrale thematische Schwerpunkte des Projekts nachvollziehbar: Die mannigfache Bedeutung der Erinnerungsarbeit, (post)koloniale Entschuldigungsformen und deren oftmaliges Scheitern sowie künstlerische Neuverhandlungsstrategien im Bezug auf Archive, Erinnerung und Orte. Im Rahmen eines Anfang April abgehaltenen partizipativen Workshops wurden schließlich Überschneidungen zwischenmenschlicher Entschuldigungspraxis mit öffentlichen und kollektiven Entschuldigungen, die von Institutionen, Regierungen oder anderen politischen Gremien ausgesprochen werden, mit Teilnehmer:innen aus Kunst, Soziologie und Politikwissenschaft erörtert. Die Ergebnisse des Workshops wurden mittels Fragebogen festgehalten. Eine To-Do-Liste von Milevska auf einem von Merete Røstad designten Print geben Einblick in die Projektumsetzung im Laufe der Fellowship-Monate. Ein Folder mit zahlreichen Recherchematerialien vervollständigt das Präsentationsdisplay. Die Besucher:innen sind eingeladen, die vielfältigen Materialien selbst zu durchforsten.

Text: Andrei Siclodi

Büchsenhausen Fellows 2021-22: